LTC Kinéma présente : "Quand la crise économique organisée provoque un Sursaut Salvateur du Monde Ouvrier…"

 

 

. Un Pamphlet Social Dénonciateur Objectif. - Le film dramatique français "EN GUERRE", coécrit, coproduit et réalisé par Stéphane Brizé, sorti en 2018, d’une durée d’1h52, avec dans les rôles principaux, Vincent Lindon (dans le rôle principal), Mélanie Rover et Jacques Borderie (deux acteurs non professionnels), a été en compétition au Festival de Cannes 2018. C'est le quatrième film de Stéphane Brizé avec Vincent Lindon, après Mademoiselle Chambon, Quelques heures de printemps et La Loi du marché. Ce Petit Bijou Social, Solidaire et Fraternel, dénonce l’exploitation et l’abandon du Monde des Ouvriers par certains patrons, de moins en moins exemplaires socialement parlant, voire hors-la-loi. Il prend aux tripes, tel un Cri d’Alarme, un Plaidoyer sans Concessions, dans lequel se reconnaissent des millions d’Ouvriers, sans Boulot en France et dans le Monde ; suite aux plans de licenciements abusifs et massifs, dont ils sont victimes depuis des décennies. Une Histoire qui n’est pas sans rappeler, Celles des Sidérurgistes Lorrains de Florange, des 1.120 Contis de Clairoix, etc. qui "dégraissés" par la "courbe dictatoriale, irréaliste, injustifiée, insolente et sans fin de la croissance d’entreprises hyper-bénéficiaires" ont perdu leurs Emplois.

 

 

. Une Histoire Sociale (malheureusement) comme les Autres. – Le film entre rapidement dans le vif du sujet. Malgré de lourds sacrifices financiers de la part des salariés majoritaires (départs anticipés à la retraite, baisse et gel des salaires, etc.), un bénéfice record de leur entreprise, et des profits mirifiques distribués à la pelle à des actionnaires minoritaires, égoïstes et privilégiés, qui n’en ont jamais assez sur leurs comptes en banque ; la direction de l’usine Perrin Industrie - propriété d’une Multinationale allemande, dont le PDG est confortablement installé dans une des tours d’ivoire d’un grand centre financier mondialiste - décide, contre toute attente, de fermer définitivement le site, et ce, pour le délocaliser sous d’autres cieux fiscaux plus cléments et faire de plus importants bénéfices. Là, où la main d’œuvre est encore moins chère. Les Ouvriers se trouvent alors pris dans la tourmente mortifère du "village planétaire ultralibéral". Accord bafoué, promesses non respectées, les 1.100 Salariés - emmenés avec panache par leur porte-parole Laurent Amédéo (magnifiquement incarné par Vincent Lindon) - refusent cette décision inique, brutale, et vont tout faire pour tenter de sauver leurs Emplois. Qui payera leurs crédits, qui nourrira leurs enfants, etc. quand ils seront à la rue ? Leur Droit au Travail est bafoué !

 

 

. Le Droit au Travail est un Droit Fondamental. – Les textes ne manquent pas pour réaffirmer le Droit de Travailler, le Droit de Vivre de son Travail. La loi du 19 mars 1793 stipule : "Tout homme a droit à sa subsistance par le travail s'il est valide ; par des secours gratuits s'il est hors d'état de travailler. Le soin de pourvoir à la subsistance du pauvre est une dette nationale." De même, l'article 21 de la Déclaration des Droits de l'Homme et du Citoyen de 1793 affirme : "Les secours publics sont une dette sacrée. La société doit la subsistance aux citoyens malheureux, soit en leur procurant du travail, soit en assurant les moyens d’exister à ceux qui sont hors d’état de travailler." Le Droit au Travail a ensuite été proclamé dans la Déclaration Universelle des Droits de l'Homme de 1948, dans son Article 23 : "Toute personne a droit au travail, au libre choix de son travail, à des conditions équitables et satisfaisantes de travail et à la protection contre le chômage." Un Droit repris dans l'Article 23 de la Déclaration des Nations unies de 1948. De plus, la Constitution de 1946 affirme : "Chacun a le devoir de travailler et le droit d’obtenir un emploi", Droit qui est repris dans la Constitution de 1958 qui fonde les bases de la Ve République. Enfin, dans la décision n° 85-200 DC du 16 janvier 1986, le Conseil Constitutionnel a affirmé qu’il appartient au Législateur "de poser les règles propres à assurer au mieux le droit pour chacun d’obtenir un emploi en vue de permettre l’exercice de ce droit au plus grand nombre d’intéressés." L'Agence Nationale Pour l'Emploi (ANPE), créée en 1967, découle de ce principe.

 

 

. "C’est la Lutte Sociale, groupons-Nous et luttons !" - L'Histoire du Combat de ces 1.120 Ouvriers, qui s’opposent à la stratégie financière d'une Multinationale Toute-Puissante, montre jusque dans les coulisses du Conflit, les Stratégies Collectives à adopter en de telles circonstances dramatiques, les Talents de Négociateurs Opiniâtres à déployer au bon moment au Service de Tous (Ensemble) sur le Terrain Social, etc. afin d’essayer de déjouer TOUS les pièges du Système, avec Bon Sens, et surtout Courage ! C'est la naissance d'une Vague Humaine Révoltée Résolue, qui grossit jour après jour, contre vents et marées, et fait Front Social Commun. Une Tribu d’Ouvriers qui confrontée à l'adversité, à un défi immense, tente de Survivre dans un monde hyper-hostile. Le rôle important (et le manque de concertation) des Syndicats est ici, une fois de plus, souligné ; comme la division des Ouvriers (les jusqu’au-boutistes contre les vendus). Des tergiversations non-constructives qui font le bonheur de leurs adversaires et des pouvoirs publics jouant sur les deux tableaux. Le Monde Ouvrier seul face à la violence d’une Multinationale gourmande et subventionnée ? Un conflit tendu type qui (malheureusement) ne se généralise pas seulement qu'en France… Il faut pour s’en convaincre suivre l’Actu des chaînes d’info en continu. Le Monde des Ouvriers, des Oubliés, des Petits, des Exclus du Travail, des En-Bas de l’Échelle Sociale et des Laissés-pour-compte de la société capitalistique, crève en direct. "Silence on tourne !"

 

© Jean DORVAL, le 23 mai 2018, pour LTC Kinéma.

Infos+ : Wiki/En_Guerre_(le film)

  

 

LTC Kinéma annonce...

Downsizing : Petits formats, grands espoirs !

 

. Un film 5 étoiles à 90 millions de Dollars. - Alexandre Payne qui a déjà réalisé The Descendants en 2011 - une comédie douce-amère sur un père (interprété par George Clooney) qui essaie de reconstruire sa famille, après l’accident de sa femme - mais aussi l’émouvant Nebraska en 2013, nous a livré le 10 janvier dernier sa nouvelle comédie intitulée : Downsizing (Réduction de taille). Ce pur produit de la Paramount, dont la BO balance d’emblée Once in a Lifetime des Talking Heads, initié en 2009, d’une durée de 2h16, en VOST (anglais, espagnol, islandais et norvégien), est un petit bijou mêlant intelligemment la Science-Fiction et l’Écologie. Il s’agit du plus cher film du réalisateur, dont la dépense est estimée dans une fourchette allant de 65 à 90 millions de Dollars. Classé, à juste titre, cinq étoiles par la critique de presse Sophie Benamon de Studio Ciné Live, ce film est tout simplement pour elle : « Un petit Damon pour un grand Payne. Une satire sociale réussie sous forme de SF. »

. Quand Gulliver écolo veut sauver la Terre. - Dans un futur proche, afin de lutter contre la surpopulation et la surconsommation, freiner le réchauffement planétaire et la fonte de la glace des pôles, qui laisse s’échapper d’importantes quantités de méthane, prémisses à l’extinction des humains, des scientifiques mettent au point le Downsizing. Ce processus permet de réduire les humains à une taille d’environ 12 cm, ce qui diminue considérablement leurs besoins, leurs déchets et donc leur impact sur l’Environnement.

. Juteuse réduction de corps. - Mais, la réduction de la taille des humains donne, en fonction de leur richesse dans le Monde grandeur nature, un équivalent-consommation dans le Monde réduit, très favorable, transformant ainsi les milliers de dollars de leur compte en banque en millions de dollars ; démultipliant leur pouvoir d’achat, leur niveau de vie, et donc leur envie de Dolce Vita et de Farniente.

La rencontre entre Paul et Ngoc Lan marque

le début d'un Bonheur simple...

. Toujours les riches contre les pauvres. - Cette promesse d’un avenir meilleur va très vite convaincre 3% de la population mondiale - les très riches - à franchir le pas. En parallèle, certains pauvres (la minorité) acceptent la réduction de leur taille pour devenir plus facilement des clandestins dans les pays riches ou sont réduits de manière arbitraire au silence par des pouvoirs dictatoriaux. Dans tous les cas, chacun garde sa place dans l’échelle sociale du modèle réduit du Monde, et dans ses nombreuses Cités-Lilliput, telle Leisureland.

. Un casting et des personnages taillés sur-mesure. - Paul Safranek (Mat Damon) et son épouse Audrey (Kristen Wiig) désirant abandonner le stress de leur quotidien à Omaha (Nebraska) se lancent dans cette Aventure modèle réduit qui va changer à tout jamais leur existence. Paul Safranek, qui finalement ne sera pas rejoint par sa femme, va devoir s’adapter seul à ce Nouveau Monde. Il y rencontre Ngoc Lan Tran (Hong Chau). Ces deux personnages en quête de réalisation - lui, l’ancien ergothérapeute réduit à faire de l’accueil téléphonique, à qui rien ne réussit ; elle, la dissidente politique, clandestine, femme de ménage engagée dans le bénévolat social, et handicapée suite à l’amputation de sa jambe gauche - vont former une véritable symbiose. En parallèle de ce duo de choc, il est à noter le très beau rôle médian joué par Christoph Waltz (Dusan Mirkovic dans le film) - le trublion, l’empêcheur de tourner en rond, du scénario – qui incarne un personnage déjanté prenant la Vie comme elle vient. Cet attendrissant fêtard, trafiquant à ses heures perdues, a au bout du compte de la morale et de l’humanité, va transformer la Vie de Paul et de Ngoc Lan en les plaçant sur le Chemin de l’Amour.

Dusan déguste la Vie... et tout lui sourit !

. XXL contre Miniatures. - In fine, une toile qui pèse le « pour » et le « contre » de l’American Way of Live, dont les qualités n’ont d’égal que les travers ; et ce, quelque soit la taille de l’environnement où elle se développe. Elle pose aussi le problème des communautarismes qui déchire toujours la société américaine (et le Monde...) : les Hommes de taille normale, contre les hommes de petite taille ! Alors, les humains de 12 cm, des étrangers comme les autres ? Rien n’est (malheureusement) plus certain !

 

© Jean DORVAL, le 20 janvier 2018, pour LTC Kinéma.

LE COUP DE COEUR D'LTC KINEMA !

LTC KINéMA PRESENTE : "Le Portrait de la tentation..."

 

 

. Quand la Peinture et la Toile cinématographique ne font plus qu’un. - Andrea Sanders Films présente le dernier film de Charles de Meaux : Le Portait Interdit. De Meaux, réalisateur, producteur de cinéma et scénariste, est l’un des premiers à avoir travaillé sur l'espace entre les Arts Plastiques et le Cinéma. Il a été honoré au Centre Pompidou-Metz, où il a assuré une rencontre avec son public le 20 décembre dernier. Sa toile est montrée dans tous les musées du Monde. De Meaux est le réalisateur, entre autres films, de Stretch (2011). Une histoire qui se déroule entre Paris et Macao. Le dernier film de David Carradine, mort le 3 juin 2009.

 

. Quand le Peintre tombe amoureux de son Sujet (impérial...). - Le Portrait interdit est un drame historique franco-chinois réalisé par Charles de Meaux, d’une durée de 1h34, en VOST, sorti en 2016 en Chine, mais le 20 décembre dernier dans toutes les salles de Kinéma françaises. Grande fresque historique, le film part d'un portrait exécuté, vers 1760, par le frère Jésuite Jean-Denis Attiret (Melvin Poupaud), en mission en Chine, et peintre à la Cour Impériale de Chine, à l’époque de l'Empereur Qianlong ; et dont le cousin Claude-François Attiret est un des peintres de Cour reconnu en France. Le Jésuite se voit alors confier la tâche honorifique de peindre le portrait de l’Impératrice Ulanara (Fan BingBing), concubine devenue Seconde Épouse de l'Empereur Qianlong, suite à la mort de sa Première Épouse. Elle aura un destin très particulier entre privation d’Amour, absence de sa descendance, solitude, fragilité, isolement dans le faste de la Cité Interdite, etc. Cette Figure Romantique avant l’heure, dont il ne reste que ce portrait, à la sensualité énigmatique de Joconde asiatique du XVIIIe siècle, est éblouissante. Le film raconte ce moment délicieusement fiévreux, mêlé d’interdits et de sentiments humains, où l’Impératrice chinoise - le modèle (dans tous les sens du terme…) - rencontre le peintre Jésuite ; et où l’Homme de Foi est pris entre sa Fidélité à sa fonction ecclésiastique et l’Amour, le Désir, qu’il commence à ressentir pour cette femme aux Proportions Divines. Une histoire dans l’Histoire qui invite à méditer sur la tentation. Mais qui met surtout en avant l’Amour fou. Quand l'empereur répudiera cette épouse, ce portrait sera interdit. Mais Attiret arrivera à le faire parvenir en France avant de mourir. Comme quoi l’Amour triomphe toujours, et c’est ce qui compte le plus finalement !

© Jean DORVAL, le 29 décembre 2017, pour LTC Kinéma.

iNFOS+ : Wiki/Le_Portrait_Interdit

 

"L’AMOUR (vrai) EST UNE PROMESSE éTERNELLE."

Le film franco-belge, à voir en VOST (anglais/ST. en français), "Une promesse", sorti le 16 avril 2014, en France, a été réalisé par Patrice Leconte. L’auteur (entre autres) des "Bronzés" en 1978 et de "Viens chez moi, j'habite chez une copine" en 1981, a changé de registre pour notre plus grand bonheur, avec autant de talent que pour ses précédents films. Il crée ainsi une œuvre dramatique et romantique à la fois, dont le scénario s’inspire directement de la nouvelle de Stefan Zweig "Le Voyage Dans Le Passé" (paru aux Editions Grasset et Fasquelle, Paris) ; coproduite par Olivier Delbosc, Geneviève Lemal et Marc Missonnier. Patrice Lecomte a écrit le scénario de cette Toile avec Jérôme Tonnerre. Le tout est agrémenté d’une musique originale signée Gabriel Yared. L’image très travaillée, quasi-photographique, est filmée par Eduardo Serra. Ce long-métrage sur l’Amour Passion est apparu sur les écrans du Festival international du Film d'Amour de Mons en Belgique, le 14 février 2014, le jour… de la Saint-Valentin.

UN TRIO D’ACTEURS DANS UN DéCOR (d'Opéra-Théâtre) SUR MESURE.

A la distribution de ce film, on trouve un trio d’acteurs fabuleux : la pulpeuse Rebecca Hall dans le rôle de la sensuelle Charlotte, "Lotte" Hoffmeister ; une actrice lancée en 2008 grâce au film de Woody Allen "Vicky Cristina Barcelona", dans lequel elle jouait déjà l'un des deux rôles titres. Richard Madden est Friederich Zeitz, "Her Zeitz" ; le Prince Charmant de la nouvelle version de "Cendrillon" qui sortira en 2015. Alan Rickman, quant à lui, incarne Karl Hoffmeister (le mari de Lotte). Il est connu pour avoir immortalisé le Professeur Severus Rogue dans la Saga Harry Potter, et joué Ronald Reagan dans "Le Majordome" de Lee Daniels. A la fin du tournage de ce chef-d’œuvre, Alan Rickman a confessé à Patrice Leconte, qu'après avoir joué dans ces deux grosses productions américaines, il avait perdu quelque peu le goût de jouer. Aussi, l’a-t-il serré dans ses bras en le remerciant de lui avoir redonné le goût du Cinéma. Et Patrice Leconte de préciser : "C'était mieux que si j'avais reçu la Légion d'honneur".

 

Le film a été tourné en grande partie en Belgique. Les scènes ferroviaires ont été filmées dans les gares de Carnières et de Binche, rebaptisée pour l'occasion "Oberhausen", et sur la ligne Binche-Clabecq. Des décors fabuleux ont aussi été dégotés au Château de Vervoz, chez le Baron Victor de Tornaco, notamment pour le bord de l'étang et le kiosque. Enfin, différents sites de la Région Wallone ont servi de cadre pictural au tournage de ce film, comme la Ville de Durbuy ou le Château de Thieusies. Un long-métrage qui a été nominé à la Mostra de Venise en 2013 dans la sélection hors compétition, et au Festival international du film de Toronto en 2013, dans la sélection "Special Presentations".

UNE PASSIONNANTE TRIANGULAIRE SENTIMENTALE.

L'action débute en 1912, en Allemagne, dans la Ruhr industrielle. Elle se prolonge au début de la Première Guerre mondiale, et se termine dans les années qui suivent ce monstrueux conflit aux balbutiements du nazisme. Transcendant la notion de classe sociale, la trame du film prend ses racines dans la relation amoureuse qui se tisse rapidement entre un jeune secrétaire particulier (le beau et novice Friederich, fraichement diplômé et d’origine modeste) et la jeune et très belle "Lotte" (une femme issue d'une bonne famille, aux lèvres charnues, au sourire ravageur, qui joue du piano, et dont les robes et les grands chapeaux sont un ravissement), l’épouse de son patron paternaliste (Karl Hoffmeister) ; un richissime industriel issu de la Bourgeoisie triomphante qui a réussi dans la sidérurgie. Âgé et cardiaque, Karl, se sentant mourir, forme progressivement Friedrich à sa succession, en le plaçant à la tête de son usine, et en le poussant volontairement dans les bras de… son épouse, en le faisant aménager dans son hôtel bourgeois. Le rapprochement qui s’opère entre Friedrich et Lotte devient alors un feu ardant sous-jacent, une coulée de laminoir sans fin issue de la gueule de Vulcain, une passion sentimentale exacerbée qui ne demande qu’à s’exprimer. Tout est feutré, mais… les regards et les frôlements de mains en disent long sur des sentiments en partage qui bouillonnent intérieurement. Le jeune homme prend au fur et à mesure de l’assurance, ce qui semble attiser la jalousie du mari qui vit leur idylle en gestation comme un témoin extérieur, mais… aux premières loges. Un film délicieux dont le scénario, qui monte crescendo, provoquera une rupture douloureuse de plusieurs années entre les amants, encore platoniques, comme pour mieux les éprouver. Alors, ils se feront une Promesse, celle de s’aimer, malgré l’éloignement, et de se retrouver au plus vite. Sauront-ils la tenir ? La Première Guerre Mondiale leur permettra-t-elle de se revoir ? Ce morceau d’anthologie sentimentale, qui se déroule à la Belle Epoque, invite le spectateur à le découvrir, à le vivre dans l’attente, le cœur haletant !

© Jean DORVAL, le 04 mai 2014, pour LTC Kinéma.

Source documentaire : http://fr.wikipedia.org

"THE BEST OFFER" CINéMATOGRAPHIQUE DU MOMENT !

Le 16 avril dernier sortait en France, le passionnant Thriller italo-anglais "The Best Offer" (titre original : "La Migliore Offerta"). Ce film en VOST, d’une durée de 2h10, est le fruit d’un très beau travail cinématographique signé Giuseppe Tornatore, le réalisateur et scénariste, en 1989, de l’inoubliable "Cinema Paradiso" ("Nuovo Cinema Paradiso"). "The Best Offer", produit en 2013, est distribué par Distrib Films et Aventi. Cette Toile de Maestro offre un remarquable casting. Geoffrey Rush y tient le premier rôle, en incarnant l’authentique et "So British !" Virgil Oldman. Cet acteur a notamment manœuvré aux commandes du Black Pearl, dans le rôle du Capitaine Barbossa, en donnant la réplique à Johnny Depp dans la Saga de Disney "Pirates des Caraïbes" ("La Malédiction Du Black Pearl" en 2003, "Le Secret Du Coffre Maudit" en 2006, "Jusqu'au Bout Du Monde" en 2007 et "La Fontaine De Jouvence" en 2011). En 2005, il tourne sous la direction de Steven Spielberg dans "Munich". Et en 2010, il joue dans "Le Discours d'Un Roi". Dans "The Best Offer", aux côtés de Geoffrey Rush, on trouve la très belle néerlandaise Sylvia Hoeks, dans le rôle bluffant de Claire. Une énigmatique et obsessionnelle femme enfermée dans sa tour d’ivoire. Sylvia Hoeks débute sa carrière en tant que mannequin pour l’agence Elite Models. Puis, plusieurs années durant, elle voyage dans le monde entier, avant d’intégrer l’Académie de Théâtre de Maastricht. Son diplôme en poche, elle est remarquée dans le film dirigé par Jos Stelling, "Duska" ; pour lequel, elle remporte en 2007 un Veau d’Or au Festival du Cinéma Néerlandais. Puis, très appréciée du public et des réalisateurs, elle tourne dans différents courts-métrages et téléfilms, joue dans de nombreuses pièces de théâtre. En 2009, elle est tête d’affiche du film "The Storm" de Ben Sombogaart - dont le succès aux Pays-Bas ne se dément pas, ainsi que dans de nombreux festivals internationaux - et obtient le prix de la meilleure actrice au Festival du Film de Setubal au Portugal. Par la suite, elle se produit dans plusieurs films néerlandais inconnus en France, dans lesquels elle a le rôle principal ("De Bende Van Oss" et "Het Meisje En De Dood"). En 2013, "The Best Offer" est son premier rôle international. Un film dont le succès européen se voit récompensé par de nombreux festivals. Dans ce long-métrage, les autres acteurs sont les suivants : Jim Sturgess (Robert), Donald Sutherland (Billy Whistler), Philip Jackson (Fred), Dermot Crowley (Lambert), Kiruna Stamell (la femme récitant en permanence des chiffres dans le bar) et Liya Kebede (Sarah).

LE JUSTE PRIX (à payer) POUR UNE PERTE (totale) DE CONTRôLE.

Commissaire-priseur de renom, Virgil Oldman est un solitaire, cultivé, maintenant volontairement ses distances avec les autres, en particulier les femmes. En véritable perfectionniste, à tendance obsessionnelle (il porte toujours des gants et est tiré "à quatre épingles" en permanence), dans son travail d’expert en art, comme à la vie, il n’a de relation intime qu’avec la collection de tableaux d’exception qu’il a constituée secrètement tout au long de sa carrière. Même ses connaissances les plus proches – Robert, le jeune et talentueux restaurateur, et Billy, le revendeur d’art chevronné - ne le connaissent pas vraiment. Brusquement, une richissime et mystérieuse cliente apparaît dans sa vie et lui demande une expertise de toutes ses œuvres d’art, en vue d’une vente de prestige. Mais, curieusement elle accepte de lui parler qu’au… téléphone. Virgil, alors piqué de curiosité, ne lâche pas l’affaire, et ce, malgré une succession de déconvenues et d’événements quasi-surnaturels. Il veut même rencontrer, à tout prix, cette mystérieuse femme envoûtante dont il est déjà… amoureux fou. Mais bien souvent, la damnation éternelle démarre sur terre. Et l’inquiétant engrenage à la Hitchcock, dans lequel va s’empêtrer Virgil, se tisse irrémédiablement autour de lui, comme une toile d’araignée invisible. Ce perfectionniste va se retrouver piéger à l’insu de son plein gré. Et lui qui jusqu’à présent contrôlait tout, va perdre progressivement le contrôle de tout, même celui de sa propre vie… Un film mouvementé dont on ressort bouleversé !

© Jean DORVAL, le 21/04/2014, pour LTC Kinéma.

 

 

"SOLOMON NORTHUP : UN HOMME (libre) RENDU ESCLAVE PENDANT 12 ANS."

 

 

Sorti sur les écrans cinématographiques français le 22 janvier dernier, le drame historique, britannico-américain, en VOST, d’une durée de 133 minutes, "Twelve Years A Slave" (typographié "12 Years A Slave" pour mieux souligner la durée de la servitude du héros de cette histoire vraie ; traduction en Français : "Douze Ans d’Esclavage") est produit par Regency Enterprises, Film4, River Road Entertainment et Plan B Entertainment, et distribué par Fox Searchlight Pictures (États-Unis d’Amérique) et Mars Distribution (France). Comparé avec d'autres drames épiques d'une veine similaire, comme "La Liste De Schindler" (1993) ou "La Passion Du Christ" (2004), qui sont devenus des succès au box-office, malgré la gravité respective de leurs sujets, ce film est réalisé par Steve Rodney McQueen dit "Steve McQueen II" qui a déjà remporté la Caméra d'or au Festival de Cannes 2008 pour son film "Hunger". "12 Years A Slave" est un magnifique long-métrage tiré des mémoires de Solomon Northup. A la Prod, on retrouve Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Bill Pohlad, Steve McQueen II, Arnon Milchan et Anthony Katagas. Cette Toile présentée pour la première fois au festival du film de Tellurique (USA), le 30 août 2013, a reçu un accueil enthousiaste des critiques et fait déjà office de favori dans la course aux Oscars 2014, où elle est nommée dans neuf catégories, dont celle du meilleur film. Au casting, on retrouve dans les rôles principaux : Chiwetel Ejiofor dans le rôle de Solomon Northup ; Michael Fassbender est Edwin Epps ; Benedict Cumberbatch : William Ford ; Paul Dano : John Tibeats ; Paul Giamatti : Theophilus Freeman ; Scoot McNairy : Brown Garret ; Lupita Nyong'o : Patsey ; Adepero Oduye : Eliza Quvenzhané ; Sarah Paulson : Maîtresse Epps ; Brad Pitt : Samuel Bass ; Michael K. Williams : Robert Scoot ; Alfre Woodard : Maîtresse Shaw ; Chris Chalk : Clemens ; Taran Killam : Hamilton ; et Bill Camp : Radburn.

SECRETS DE TOURNAGE…

La Distribution de ce petit bijou cinématographique est "faite sur-mesure". Adam Stockhausen en assure la direction artistique. Avec un budget de 20 millions de dollars, le tournage du film débuté fin juin 2012 à La Nouvelle-Orléans, dure sept semaines et se termine le 13 août 2012. Les décors sont confiés à David Stein. Afin de diminuer les coûts de production, le tournage se déroule principalement dans l'agglomération de La Nouvelle-Orléans, notamment dans la Paroisse de Red River, située au Nord de l'État de Louisiane, à proximité de la zone géographique où Solomon Northup a été esclave ; et dans des sites historiques du Vieux Carré Français de La Nouvelle-Orléans : le "Columns Hotel" et la célèbre maison "Madame John's Legacy". Quatre plantations de coton "Antebellum" (ce qui veut dire en activité avant la Guerre de Sécession, qui dura de 1861 à 1865) sont utilisées comme décor naturel dans ce Vieux Sud pour les besoins du film : "Felicity", "Magnolia", "Bocage" et "Destrehan". La cotonnerie "Magnolia", située près de la ville de Natchitoches et du Lac Sibley, est la plus proche du lieu du martyr de Northup. Le directeur de la photographie, Sean Bobbitt, cadreur principal du film, tourne "12 Years A Slave" en format 35 mm avec une résolution de 2.35:1 grâce à deux caméras Arricam : la LT et la ST ; un format d'image particulièrement adapté aux films d'époque. L’écran large 2.35 quant à lui illustre au mieux la nature épique du sujet du film : l'endurance surhumaine à l’inhumanité. Par contre, McQueen II n’a pas utilisé volontairement un style visuel "désaturé" rappelant trop un documentaire. Il s'inspire du peintre espagnol Francisco de Goya dont les tableaux représentent à la perfection la violence et la torture humaine, tout en restant des chefs-d’œuvre picturaux [cf. "Dos de Mayo" ou "La Charge des Mamelouks" (1814) et "Tres de Mayo" (1814)]. Le montage du film est fait par Joe Walker ce qui ne gâche rien. Avec un délai de huit semaines pour créer les costumes, Patricia Norris, responsable des costumes - qui collabore entre autres avec Western Costume (le Costumiers des principaux studios de cinéma californiens) - a illustré au mieux, selon les vœux du réalisateur, le temps qui passe sur une période de 12 ans et l'exactitude historique des vêtements en s’inspirant de personnages pris dans l'art du XIXe siècle (Peinture de genre, Naturalisme et réalisme, Impressionnisme américain, etc.). Elle se sert d’une palette de couleurs proche par sa variété de celle de la Nature afin de créer plus de 1.000 costumes ; utilisant également des vêtements ayant réellement appartenu à des esclaves. La bande originale du film quant à elle est composée par Hans Zimmer, avec des arrangements au violon de Nicholas Britell, joués par Tim Fain. Elle comprend également quelques morceaux de musique classique, comme le "Trio à cordes en si bémol majeur, D. 471" de Franz Schubert ; de folk américain, tel "Run Nigger Run" de John et Alan Lomax ; et d’artistes comme John Legend, Alicia Keys, Chris Cornell et Alabama Shakes.

 

 

UN SCéNARIO S’INSPIRANT D’UN LIVRE REDéCOUVERT PAR LA FEMME DE MCQUEEN II.

Le réalisateur Steve McQueen II fait la connaissance du scénariste du film John Ridley, en 2008, au cours du visionnage de son film intitulé "Hunger", à la Creative Artists Agency. Il lui parle alors de son intention de faire un film sur la période de l’esclavage aux États-Unis d’Amérique, avec un personnage principal dont la relation avec le commerce des esclaves n'est pas immédiatement évidente. Après plusieurs semaines de travail, les deux hommes ne parvenant pas à ébaucher un scénario, c’est finalement la femme de McQueen II qui redécouvre l’autobiographie de Solomon Northup "Douze Ans d'Esclavage" ("Twelve Years A Slave") publiée en 1853. Un livre qui sidère totalement le réalisateur. Habitant Amsterdam - où Anne Frank est une héroïne nationale - il compare immédiatement ce témoignage poignant au "Journal d'Anne Frank", mais… écrit presque un siècle plus tôt. Il s’investit alors passionnément avec Ridley dans l’adaptation cinématographique de ce récit sur l’esclavage. Pour retranscrire le langage et les dialectes de l'époque, et celui de la région où le film se déroule, il engage le linguiste, Michael Buster, pour faire "coller" les répliques à la réalité. De ce fait, la variété des dialogues oscille entre le style d'écriture et le langage parlé du XIXe siècle, et les textes de la Bible du Roi Jacques. Buster ne sachant pas comment parlent les esclaves dans les années 1840, a tout simplement utilisé des expressions rurales du Mississippi et de la Louisiane pour les personnages d’Ejiofor et de Fassbender. Pour Benedict Cumberbatch, il puisé son inspiration dans le parlé de la haute société de La Nouvelle-Orléans des années 30. Ensuite, il a travaillé avec Lupita Nyong'o - d'origine kényane et ex-étudiante de Yale - jusqu'à ce qu'elle ait un parfait accent américain.

  

 

INFO+ : http://bd.casterman.com

 

UNE HISTOIRE D’HOMME (libre) DEVENU ESCLAVE.

Ce film raconte une des nombreuses pages sombres de l’Histoire des Etats-Unis d’Amérique (esclavage des Afro-américains, génocide des Amérindiens, etc.). En 1841, Solomon Northup, originaire de l’État de New York, vit avec sa femme et leurs deux enfants à Saratoga Springs. Il gagne sa vie en tant que charpentier et joueur de violon. Un jour, il est abordé par deux prétendus artistes qui finissent par le droguer, l’enlever, l'enchaîner et le vendre comme esclave à un négrier du Sud. Northup est alors envoyé par bateau à La Nouvelle-Orléans, où on le renomme "Platt" avant de le vendre au propriétaire d'une plantation…

NORTHUP EST LE SYMBOLE DE LA CAUSE DES AFRO-AMéRICAINS OUBLIéS DE L’HISTOIRE OFFICIELLE.

Un an après "Django Unchained" de Quentin Tarantino, le film militant "12 Years A Slave" remet en avant une revendication légitime de la Cause Noire : le Droit au Devoir de Mémoire pour les Afro-américains victimes de l’esclavage. Mais, cette fois-ci, aucune polémique et aucune contestation ne sont possibles, car le film de McQueen II est l'adaptation fidèle d'un "récit historique d’esclave", celui de Salomon Northup, et non une fiction ! Ce bestseller s’est vendu à 30.000 exemplaires rien que dans les années précédant la Guerre Civile Américaine. Même Spike Lee, activiste de l’exclusivité de la Cause des Afro-américains, ne pourra pas y mettre son habituel grain de sel, puisque ce film est réalisé par McQueen II, un homme de couleur - britannique certes – mais connu pour son tempérament apaisé, et décoré de la fameuse "CBE" (Most Excellent Order of the British Empire). Ce talentueux réalisateur donne comme trame de fond à son film : la dénonciation de l’esclavagisme. Pour ce faire, il sait prendre le recul nécessaire, afin de rester objectif, rendre compte fidèlement, et de manière circonstanciée, de la vie des esclaves du XIXe siècle dans les plantations de coton (une main d’œuvre gratuite, taillable et corvéable à merci...). Son regard sur le Martyr des Afro-américains est brutal, douloureux, viscéral, implacable, réaliste et sans concession. Spécialiste des sujets qui dérangent mis à l’écran, comme le radicalisme politique ("Hunger" en 2008) et l’addiction au sexe ("Shame" en 2011), McQueen II met en scène, sans tabou, son nouveau film ; une aventure individuelle et à la fois collective. Un plan de ce film symbolise particulièrement sa démarche. Reconnu "coupable" de s’être défendu physiquement d'un contremaître blanc voulant le tuer, Northup se retrouve pendu à une corde, avec juste ce qu’il faut d’adhérence au sol pour que, sur la pointe des pieds, étouffant sans expirer, pataugeant dans la boue, il agonise lentement dans d’atroces conditions. Le réalisateur filme cette scène sadique de torture ordinaire (à cette époque) par le biais d'un terrible plan-séquence en fixe, dont le très large spectre irradie toute la souffrance de ce malheureux être humain persécuté injustement, à l’image du Christ, par des "êtres" inhumains (se croyant "supérieurs"... ). Au début Northup, seul, occupe une position centrale dans l’image. Il tente de survivre au prix d’interminables et insoutenables soubresauts. Puis, l’écran se remplit d’esclaves frappés d’une "indifférence-amnésique" ; les adultes vaquant à leurs occupations quotidiennes et les enfants jouant et riant comme si de rien n’était. Cette scène-clé là, à elle seule, symbolise toute la puissance du film : la cruauté de certains blancs et la résignation des Afro-américains devant l’inéluctable, la pire exploitation de l’homme par l’homme, l’esclavage. Si le réalisateur condamne totalement ce honteux système, il nuance cependant son jugement en fonction du degré d’implication des individus qui y collaborent. Par exemple, il marque une différence de traitement dans son scripte entre entre William Ford (le premier maître de Northup), fervent Protestant, soupçonné d’humanité, choisissant la passivité, et Edwin Epps (le second maître de Northup), cruel, névrosé, violant et violentant SA "meilleure ouvrière forcée". Par ailleurs, il souligne au passage, l’indifférence de Northup, lui-même, envers ses semblables maltraités (un flash-back évocateur le rappelle…) lorsqu’il était un homme libre (et donc pas concerné par l'esclavage). Par ailleurs, "12 Years A Slave" se fait l’écho du film français "Vénus Noire" (la "Vénus Hottentote" livrée au racisme des bas-fonds) du réalisateur franco-tunisien Abdellatif Kechiche ("La Vie d’Adèle", etc.) en restant froidement factuel. McQueen Il cicatrise ainsi le passé en s’ouvrant au présent et à l’avenir, avec un regard neuf de paix et de pardon. L’universalité de ce film est confortée tant par les critiques de cinéma que par le public, et par LA Performance unique des acteurs ; notamment Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender et Lupita Nyong'o ("La Révélation du film" pour laquelle on espère au moins un Oscar en mars 2014). McQueen II compare la démarche d'Ejiofor, pleine de sagesse, de classe et de dignité, à celle d'un Sidney Poitier ou d’un Harry Belafonte, précurseurs en la matière. Ce film selon "The New Yorker" est "de loin le meilleur film jamais réalisé sur l'esclavage en Amérique." Richard Corliss dans "Time Magazine" rajoute même que "le film de McQueen est plus proche de son sujet que d'autres films-exposés sur l'esclavage des années 1970 comme « Mandingo » ou « Goodbye Uncle Tom ». (…) McQueen n'est pas un sensationnaliste à bas prix, mais un artiste impitoyable". Il va jusqu’à faire un parallèle entre l’esclavagisme des Etats du Sud Américains et la barbarie de l'Allemagne nazie. Dans tous les cas, le film prouve que le racisme reste d’une insupportable bestialité. Enfin, "Entertainment Weekly" affirme à raison que "12 Years A Slave" "nous fait voir le plus grand péché de l'Amérique avec les yeux grands ouverts." Ce film, aux scènes souvent insoutenables, compense l’inhumanité de son sujet par l'humanité de sa réalisation. Chiwetel Ejiofor campe un Solomon plus vrai que nature, avec une incommensurable force intérieure qui rayonne sans jamais éclipser le cauchemar muet quotidien d’un esclave ; considéré (à tort) comme "un bien meuble" ou comme "une bête de somme" à partir d’interprétations farfelues de la Bible. Ce grand moment cinématographique - alors que les Etats-Unis d’Amérique s’érigent partout en donneurs de leçon de Démocratie, depuis la fin de la Seconde Guerre Mondiale – inspire la modestie. Il a le courage de remettre les pendules de l’Histoire à l’heure. Il dénonce avec ferveur la banalisation du mal et de la terreur infligés jusqu’aux tréfonds de l’âme des esclaves enchaînés, fouettés, la chair à vif. Ce film est aussi pédagogique. Il commémore toutes les atteintes aux Droits de l’Homme remontant à cette époque, et reprécise l’importance pour tous les hommes d’être libres et égaux en Droits. En cela, l’esclavage est une contradiction et une affront au Mythe Franc-maçonnique Fondateur de l’Amérique, qui se voulait un parfait alliage entre "Symphonie du Nouveau Monde" et Démocratie Pour Tous. La Signature audio-visuelle de Steve McQueen II met en exergue la relation torturée entre maître et esclave. En incarnant la Cause Afro-américaine Chiwetel Ejiofor, dans le rôle de Solomon Northup (un concept appelé "the hero problem"), devient un héros plus crédible, plus proche du public. Il s’érige en porte-parole des millions de victimes innocentes de l’esclavage, honteusement oubliées de l’Histoire, et dont on commence seulement à parler. Grâce à ce film, personne ne peut plus dire qu’il ne sait pas. Chacun peut s’imaginer ce qu’est "être un esclavage", se retrouve dans la peau de Northup ; un homme extraordinaire, et ordinaire à la fois, qui échappe miraculeusement au système de haine qui tente de l’asservir. Cette leçon de Vie fait prendre conscience que la seule couleur qui doit compter pour un être humain, ce n’est pas la couleur de sa peau, mais la couleur de son cœur. Cette couleur que chaque être humain a en lui, est la même pour tous devant l’Éternel : elle est multicolore comme l’Amour du Prochain. Un film qui invite donc à dénoncer toutes les formes d’esclavagisme et de racisme passées et présentes, et à se poser la question : à quand un Nuremberg de l’Esclavagisme ? Et Abraham Lincoln de conclure : "Si l'esclavage n'est pas mauvais, rien n'est mauvais."

© Jean DORVAL, le 07.02.2014, pour LTC Kinéma.

 

 

 

 

 

Source documentaire : http://fr.wikipedia.org et "Caméo Nancy & Metz" de Janvier 2014.

INFO+ sur d'autres formes d'esclavage...

LA SCéANCE DE KINéMA(d'LTC).

Attention : Film interdit aux moins de 12 ans.

 

Paul Edgecomb, pensionnaire centenaire d'une maison de retraite, est hanté par ses souvenirs. Gardien-chef du pénitencier de Cold Mountain en 1935, il était chargé de veiller au bon déroulement des exécutions capitales en s’efforçant d'adoucir les derniers moments des condamnés. Parmi eux se trouvait un colosse afro-américain du nom de John Coffey, accusé du viol et du meurtre de deux fillettes. Intrigué par cet homme candide et timide aux dons magiques, "un Miracle de Dieu", Edgecomb va tisser avec lui des liens très forts. Ce film de l'An 2.000, réalisé par Frank Darabont - avec dans les rôles principaux : Tom Hanks (Paul Edgecomb) et Michael Clarke Duncan ("Saint" John Coffey), est un véritable plaidoyer contre la peine de mort. Passionnément Humain, à voir !

JD pour LTC Kinéma.

 

 

 

 

INFO+ : http://fr.wikipedia.org/wiki/La_Ligne_verte_le_film

ACTUELLEMENT SUR VOS éCRANS !

   

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LA BOULEVERSANTE HISTOIRE VRAIE DE PHILOMENA ET ANTHONY LEE.

 

C’est le 08 janvier dernier que le réalisateur Stephen Frears sort dans l’Hexagone "Philomena", un drame tiré d’une histoire vraie ; celle de Philomena et Anthony Lee(1). Dans le rôle de Philomena, on retrouve la sémillante et blonde Sophie Kennedy Clark (qui incarne la jeune Philomena ; une actrice qui passe aussi actuellement sur nos écrans dans "Nymphomaniac" de Lars Von Trier) et l’émouvante Judi Dench (Philomena, mais... en adorable vieille Dame). Judi Dench, une actrice hors norme, qui enchaîne les tournages. De 1995 à 2012, elle joue le rôle de "M" dans la saga des James Bond. Elle est la première femme à diriger le MI-6. En 2006, elle tient le haut de l'affiche dans "Madame Henderson Présente" ; un autre film de Stephen Frears, dans lequel elle campe, dans les années 30, une authentique anglaise, devenue à 69 ans la veuve d'un richissime homme d'affaires, et qui de retour des Indes Britanniques, s’inquiète de sa nouvelle vie… Pendant les 98 mn de "Philomena" Judi Dench partage la vedette avec Steeve Coogan dans le rôle de l’excellent et perspicace Martin Sixsmith. Le fils de Philomena, Anthony Lee, enfant, est joué par Xavier Atkins. Il devient Michael Hess après son adoption ; un rôle tenu par Sean Mahon une fois adulte.

UNE HISTOIRE PAS TRèS CATHOLIQUE.

Irlande, 1952, Philomena Lee, une jeune et naïve adolescente, tombe enceinte après une fatale passade. Vu la mentalité de l’époque, cet "infâme péché" jette l’opprobre sur toute sa famille, sur toute sa communauté. Aussi, elle est immédiatement envoyée au couvent de Roscrea, dans l’abbaye de Sean Ross. Là, elle accouche dans d’atroces conditions ; les sœurs "catholiques" de la "Charité" refusant de lui donner de simples analgésiques pour calmer sa douleur. Il est préférable pour certaines d’entre elles qu’elle meure en couches pour expier "ses péchés"… (No comment !) Elle n’a que 19 ans et elle va travailler comme une esclave pour ces "religieuses" - qui n’ont rien compris de la Charité et du Message Christique - dans l’espoir de garder son garçon qu’elle a prénommé Anthony et pour rembourser "sa dette". En fait, elle est tombée dans un engrenage infernal. Elle ne peut pas participer à l'éducation de son fils, qui se trouve à l’orphelinat de son couvent, et n’est pas autorisée à le voir plus d’une heure par jour, comme de nombreuses autres jeunes filles dans la même cruelle situation. Mais, le pire reste à venir. Et comble de l’inhumanité, arrive le jour où ce fils âgé de trois ans est vendu comme de la marchandise avec son amie Mary (incarnée par l’actrice Mare Winningham à l'âge adulte) à une riche famille américaine "anonyme" qui les adopte, et ce, bien sûr sans le consentement (de cœur) de Philomena et encore moins des enfants vendus. On peut alors aisément comprendre le drame qui se joue. Le déchirement de cette femme qui a porté son enfant pendant neuf mois prend aux tripes.

Après le "péché", l’éternel remord…

Puis, sans transition, on se retrouve de nos jours. Devenue sexagénaire, Philomena qui a enfoui ce drame en elle, depuis plusieurs décennies, a refait sa vie après avoir remboursé sa dette aux religieuses de la honte. Elle a une fille, Jane (Anna Maxwell Martin), et est prise soudainement d’une angoisse bien compréhensible. Tout son passé resurgit. Elle veut savoir ce qu’est devenu son fils et s’il ne manque de rien, et veut absolument lui dire qu’elle ne l’a pas abandonné. Elle avoue ce brûlant secret à Jane. Débute, alors, une palpitante enquête pour retrouver cet enfant devenu un homme. Ancien reporter à la BBC Martin Sixsmith ne sait plus quoi faire de sa vie jusqu’à ce que cette histoire lui soit comptée par Philomena. Ensemble, ils décident de partir sur les traces de ce fils disparu pour en faire un article-témoignage.

DES MèRES MARTYRISéES PAR DES SŒURS DE PEU DE FOI.

Ce film traite donc du sort réservé à beaucoup de jeunes femmes qui ont eu le malheur d’être abandonnées à la charge de certaines "bonnes" sœurs (catholiques), qui sont loin d’être une preuve vivante de la Charité Chrétienne. Un délicat sujet déjà abordé dans d’autres films, tels le brutal "The Magdalene Sisters" de Peter Mullan, paru en 2001 ; dans lequel des jeunes filles vont aussi "être redressées" par la prière forcée, exploitées afin d’expier "leurs péchés" et sauver leur âme. Ce terrible sort réservé à de pauvres femmes, tombées enceintes en dehors du mariage, et subissant le jugement éhonté "de la société des gens bien-pensants et de leurs familles", sont considérées (à tort) comme des "attardées mentales" ou des "marginales". Des jeunes femmes dont "le seul crime" a été de donner la Vie et qui se sont retrouvées enfermées de force dans certaines "institutions religieuses". Quid des "courageux" papas ? Une pratique qu’on ne peut cependant pas généraliser à toute l’Institution Catholique comme le prouve, entre autres exemples, l’Histoire de la Lorraine.

"L’AMOUR EST UNE GRÂCE."

Jadis en Lorraine un tiers des mariages était consommé avant de passer à l’Église. Tout enfant conçu ainsi procurait au futur Papa (mais aussi à la Maman) un certain prestige qui lui valait d’être surnommé "godard" (du latin "gaudare" qui signifie "le réjouit"). Le "godard" aux yeux de tous vérifiait la fameuse expression catholique : "Liebe ist eine Gnade !" (traduction : "L’Amour est une Grâce !"). Cela était un véritable Don du Ciel selon la Tradition Lorraine d’avoir un Enfant avant le Mariage. Alors, pourquoi ne pas avoir étendue cette belle Preuve de l’Amour de Dieu à toute la Chrétienté ?

PHILOMENA DANS LES PAS DU CHRIST, JUSQU’AU PARDON.

Le film "Philomena" plaît d’emblée par son style, car il ne tombe pas dans le "pathos", l’émotion facile. Le réalisateur Stephen Frears et ses scénaristes ont eu l’intelligence d’offrir cette bouleversante histoire vraie comme un portrait débordant de vie, de chaleur et d’espoir en continu. L’opposition entre le total dépouillement du personnage de Philomena et le cynisme abrupte de Martin Sixsmith donne de suite un véritable dynamisme à cette comédie décapante. Quand Philomena lance des répliques crues qu’on n’imaginerait jamais dans la bouche d’une Vieille Dame ; Martin, lui, assène de violentes boutades, et de vindicatives, mais pertinentes, tirades. Jamais Philomena et Martin ne vont chercher à se changer l’un l’autre. Ils seront eux-mêmes jusqu’au bout du film. Un pur réalisme ancrant ce long-métrage dans une sincérité époustouflante. En insufflant au film, humour et rythme, Frears rappelle sans ambages que l’existence se nourrit d’émotions. Mais, il signe une comédie dramatique qui dénonce à juste titre les fautes et les contradictions de certains membres de l’Église Catholique, sans pour autant porter de jugement de valeur et tout en respectant la Foi de tout un chacun. Philomena reste, malgré les épreuves - dont les sœurs irlandaises de l'époque sont responsables et coupables - une Croyante en Dieu et dans le message du Christ, fidèle à l’Église Catholique, consciente que, en plus de 2.000 d’Histoire, comme le disait si bien Saint-François de Sales, "Là où il y a de l’homme, il y a de l’hommerie." Ce drame familial, qui aurait pu être évité avec beaucoup de Compassion, fait dire par un Martin, usé par la colère, devant tant d’injustice, à Philomena : "L’Église doit se confesser, pas vous !" Mais contre toute attente, Philomena en Catholique pardonne aux Sœurs (qui redeviennent) de la Charité. Elle reste Droite et Bonne jusqu’au bout, dans une réserve digne que seule les personnes qui ont énormément souffert savent porter comme les Stigmates du Christ. En Sainte, elle transforme la haine en Amour du Prochain. Elle se transcende, gagne son Ciel sur Terre. Tant de Grâce concentrée en si peu de temps ? C’est aussi rare, mais aussi vrai qu’un Miracle !

© Jean DORVAL, le 21 janvier 2014, pour LTC Kinéma.

Note :

(1)  D’après le livre-enquête de Martin Sixsmith, paru aux éditions des Presses de la Cité.

Source documentaire : http://www.cinemateaser.com/

BIENTôT, TRèS BIENTôT... AU KINéMA !